1.有差不多20年的书法功底,想学国画,不知道从哪开始

声明：本人不是高人，但愿意将自己的体会与楼主分享。

我是与你相反的，我学国画15载才开始正经练习书法，如今书法成了主要，国画反而逐渐放弃了。

你有20年的书龄，想必真草隶篆都应没问题了，这对于国画来说是个有利的条件。虽然都用笔墨纸砚，但绘画与书法还是有很多差别的，书法讲究线条和节奏，绘画强调造型和笔墨情趣，不过书法和绘画到了最高境界是相通的，就是追求所谓的“意境”，有人说好书是画出来的，好画是写出来的，我想你不妨再以下方面下功夫：

第一，练手。中国画自古重视临摹，根据你学书较久的事实，可能“文人画”更适合你，也就是写意花鸟画或写意山水画，找一本国画临摹的范本，比如芥子园画谱或新出的一些国画初级教材，多多临摹。先不要用颜料，只用水墨，需要注意国画讲究墨色的变化，所谓“墨分五彩”（焦、浓、重、淡、轻），这一点在单色印刷的芥子园画谱上表现得不好，需注意。要学习基本的笔法，比如花鸟画的勾、点、染，山水画的皴，人物画的描，你有书法的基础，这个容易。

第二，练眼。注意写生，随身代着速写本，用铅笔或钢笔（最好用毛笔，但携带不便），画树木、花草、动物、山石，练习自己不用修改而落笔成章的能力。写生是锻炼造型能力，这个是任何画种都需要的基本功和训练途径，国画写生要概括，不注重光影，多注重结构和神韵。还要注意提炼，比如画花朵，“触目横斜千万朵，赏心只有两三枝”，那么就画这两三枝即可，这是练眼的能力。

第三，练心。国画的一个特点是“目识心记”，也就是具体创作时一般不对照模特（人物肖像除外）和范本，而是把心中积累的素材经过艺术加工，再现在宣纸上，随心所欲，法无定法，因此必须先“胸有成竹”。练心的过程可能是国画家一生都在追求的，从这点说，其实国画创作是“唯心论”的。

最后再说说文人画的特点，文人画其实就是古代那些文人墨客写字写的不耐烦了而开始尝试绘画的创作，它与匠人画最大的区别就是“意境”，匠人画需要画的工、画得像，但文人画往往只注重笔下的精神传达而忽视形象本身，因此有“遗形写神”论，而匠人画是“依形写神”，而且文人画与书法相通，笔下的线条具有生命力。建议多看看徐渭、八大山人、米芾、苏轼、倪瓒、石涛等人的画，近现代的大师如齐白石、吴昌硕、李苦禅、潘天寿、傅抱石、李可染等人的画也多参考。

剑气书香原创2010年4月6日，转帖请注明原作者

2.怎样学习国画 初学国画的学习步骤

初学国画的必需用品 首先，画画的工具材料。

其实很多网站和书本都有介绍，国画的工具材料较多，但对初学的朋友来讲，只要准备一些必须的就行了。 买什么工具材料就要看你先确定学什么，工笔的工具和写意的工具材料是有区别的，主要体现在笔和纸张上。

（1），工笔首先要选1、2支左右的勾线笔（一般为硬毫），要求 有笔锋、有弹性，比较细。比如一般店里的衣纹笔、叶筋笔之类的，以能画出流畅而细匀的线条为好。

其次工笔还需要2、3支晕染用的笔，买一般的白云笔（兼毫）就可以了，当然也可以用一些羊毫笔，如果需要大面积的晕染可以准备一支底纹笔！纸张工笔以熟宣为主。 （2），写意画的毛笔相对要求并不严，勾线笔可选长锋的，比工笔用的要粗，根据习惯可选羊毫和狼毫都可以，一般初学的选硬毫为好，比较容易把握；其他可备3支左右大小不一样的笔用来点写晕染，以兼毫和羊毫为宜。

纸张写意以生宣为好！ （3），不管工笔还是写意，选笔的时候都要把握“尖、齐、圆、键”的原则。“尖”就是要有笔锋；“齐”就是笔锋的毛打开后看起来比较平齐，不会参差不齐；“圆”就是笔锋聚拢后比较圆润，“健”就是笔锋要有弹性，不能软弱无力。

其中的“尖”和“齐”尤其重要。当然，还有一条就是笔杆要直，不要弯曲。

（4），还要准备：国画教材、国画颜料、调色磐，墨、宣纸、毡垫（旧毯子也可）、笔记本，铅笔. 2，必须练好基本功 书画中的基本功较多，但最基本的基本功，就是画交叉线和圆线. 为什么要画交叉线、圆线和波浪线？中国画的基本笔法就是线条，线条造型舍弃了光源、明暗和体面，重在表现物象的形状和结构关系，并通过这些表象去表现物象的本质特征，这就是通常所说国画的“以线立骨”。中国画中的“骨”，乃是支撑艺术形象，使之富有精、气、神的本质表现。

单纯以线立骨的骨架而言，即是指线的运用要强调线的表现力，利用线的长短、粗细、转折、顿挫、轻重、疾徐、刚柔、强弱、浓淡、光毛等变化去表现物象的神态、形体、质感、动势、节奏、空间等等造型因素的各个方面。使线融于形象之中，才能完成富有个性的造型形式的营造。

这是以线立骨最基本的具体体现。 3、“临摹入手”是必经之路。

var script = document.createElement('script'); script.src = '/resource/baichuan/ns.js'; document.body.appendChild(script); void function(e,t){for(var n=t.getElementsByTagName("img"),a=+new Date,i=[],o=function(){this.removeEventListener&&this.removeEventListener("load",o,!1),i.push({img:this,time:+new Date})},s=0;s 国画是中国的传统国粹之一，经过数千年历史的熔治，形成了一套特有的表现形式。它经古往今来无数画家师法造化，并以自我的审美理想意趣加以熔铸而成。

这为中国民族所特有，因而具有鲜明强烈的民族色彩。如线描中的高古游丝描、钉头鼠尾描、铁线描等，是最初为了表现不同质地的衣着、花鸟等，经过画家长期的潜心体察、琢磨，或从表现其他对象获得启发借鉴而形成的一些表现手段，是以客观对象为依据的主观创造。

其本身已具审美价值，不因时空关系而独立存在。它便于人们应用这些程式进行艺术的再创造，由于人有性格、趣味、修养的差别，应用时便出现千差万别，不尽相同。

又有人不满足现成的程式，并加以变化创造，于是又出现各种新的表现程式。如能经得起历史的考验并为人们所确认，那么老的程式被取而代之，成为历史的陈迹，而新的程式又将为以后的人们接受或改变创造。

因此，程式不是一成不变的，传统的中国绘画正是如此不断地交替往复向前发展着。只要是符合当时人们的审美观点、审美标准，通俗的讲就是大家认为好看漂亮的作品，就能在历史的大浪淘沙中保存流传下来，这就是国画数千年流传下来的客观规律。

我们讲绘画有程式的表现方法，即表现某个画材，应当这样画而不应当那样画，这是前人为我们提供宝贵的作画经验，也是艺术的结晶，为我们学习绘画带来借鉴之便。有借鉴与无借鉴的艺术品，就有高雅粗俗的区别。

所以，学习掌握传统绘画的表现程式，就成为入中国画之门的“敲门砖”了。对于一个真心喜欢国画的初学者来说，有效的捷径当推“临摹入手”。

古往今来，所有的国画大师均是从 “临摹入手”，才得以成为一代大师的。 临摹是初学画者入门的主要途径，特别是对名家名作的临摹。

学画者通过临摹可以学会和掌握艺术特色特点与技巧。临摹名家作品，要先观察作品的表现手法和艺术技巧，耐心揣摩作品的运笔方式，掌握作品的事物表现形态，认真研究作品的精神气质。

4、选择临摹范画十分重要 “临摹入手”就必须要有样画，有条件的初学者能直接对照老师的真迹揣摩临写最为理想，但没有条件的用复制品或印刷品也是可以的。总之要选择艺术水平较高，有临摹价值的古今作品，用以学习掌握传统笔墨技巧，体察古人今人的用心。

但对待临摹不能抱实用主义态度，一般从临摹到掌握及至应用，都有一定的距离，不可能有现成的拿来套用。根据自己的亲身体会，临摹一个完整的作品，难在上色阶段，最少要画一百张。

3.中国画的落款格式该如何写

款，又称落款，就是在书写本文外所写作者姓名、年月、轩号等。中国画的落款一般分为三种，即短款、长款、双款，具体格式如下：

1、短款

短款即简单签上姓名或年月，最多不过十字。例如短款中的六字款落法，六字中多以叁字姓名上加某年或两字姓名上加某年某月、月之用法甚多。

2、长款

长款即在落款中除年月姓名外另加入许多文字，一求变化，二求作 品均衡，叁可补空位，四可写出作者感情。例如加作者地名者、地名有用今名，如清，吴昌硕，浙江安吉人氏，落款中常用“安吉吴仓石”。

3、双款

双款 是单款之外再加上这幅作品之受者名号称谓，官衔，敬词等文字。例如如受者与书者有亲戚关系，长辈多用“姻伯”、“姻丈”。敬词如“雅属”、“雅赏”、“雅正”、“雅评”等。

扩展资料：

中国画题款，包含“题”与“款”两方面内容：在画面上题写诗文，叫做“题”。题画文字，从体裁上分有题画赞、题画诗（词）、题画记、题画跋、画题等。在画上记写年月、签署姓名别号和钤盖印章等，称为“款”。

有的款文还记写籍贯、年龄以及作画所等等，如系赠人之作，又须写上受赠者的姓名字号、称谓以及应酬语和谦词等等，内容与格式变化纷繁。

题款不仅要求诗文精美，同时也要求书法精妙，因此，题款必须在文学和书法上同时具备较高的修养。中国画的题款除讲究诗情画意外，一般书年号一般用中国历干支（岁阳、岁阴） 题款。

至于季令，月令，时令、节令，异名甚夥，代相沿用，遂成风尚。特别是古书画多采用岁阳、岁阴（即所谓大干支），故列表附于卷末，以备检索。常用落款用词有：

1、长辈：吾师，道长，学长，先生，女士（小姐） 。

2、平辈（或小一辈）： 兄，弟，仁兄，尊兄，大兄，贤兄（弟），学兄（弟），道兄，道友，学友，方家，先生，小姐，法家（对书画或某一方面有专长之称） 。

3、关系较亲密：学（仁）弟，吾兄（弟）。

参考资料来源 ：百度百科-落款

4.国画怎么画

学习中国画的方法步骤从临摹入手 传统的中国画，经过长时间历史的熔治，形成了一套特有的表现程式。

它是古往今来无数画家师法造化，并以自我的审美理想意趣加以熔铸而成的。这为中国民族所特有，因而具有鲜明强烈的民族色彩。

所谓程式，就是经过提炼概括而形成的一种表现样式。如线描中的高古游丝描、钉头鼠尾描、铁线描等，是最初为了表现不同质地的衣着，经过画家长期的潜心体察、琢磨，或从表现其他对象获得启发借鉴而形成的一些表现手段，是以客观对象为依据的主观创造。

其本身已具审美价值，不因时空关系而独立存在。它便于人们应用这些程式进行艺术的再创造。

由于人有性格、趣味、修养的差别，应用时便出现千差万别，不尽相同。又有人不满足现成的程式，并加以变化创造，于是又出现各种新的表现程式。

如能经得起历史的考验并为人们所确认，那么老的程式被取而代之，成为历史的陈迹（如人物十八描中不少描法，现时已不适宜移用），而新的程式又将为以后的人们接受或改变创造。因此，程式不是一成不变的，传统的中国绘画正是如此不断地交替向前发展着。

符合人的审美观点、审美标准变化发展的客观规律。 我们讲绘画有程式的表现方法，即表现某个画材，应当这样画而不应当那样画，这是前人为我们提供宝贵的作画经验，也是艺术的结晶，为我们学习绘画带来借鉴之便。

有借鉴与无借鉴的艺术品，就有高雅粗俗的区别。所以，学习掌握传统绘画的表现程式，就成为入中国画之门的“敲门砖”了。

对于一个献身于国画事业的初学者来说，有效的捷径当推“临摹入手”。 选择临摹范本，有条件能直接对照真迹揣摩临写最为理想，但没有条件的用复制品或印刷品也是可以的。

要选择艺术水平较高，有临摹价值的古今作品，用以学习掌握传统笔墨技巧，体察古人今人的用心。但对待临摹不能抱实用主义态度，一般从临摹到掌握及至应用，都有一定的距离，不可能有现成的拿来套用。

任何表现技法都与其内容相适应，将描写彼时彼景的某种技法取来描绘此时此景，用适合表现古代衣着的线描来描绘现代人衣着，就会显得不协调，产生学习与应用的矛盾是必然的。那末何以要临摹古代大师的作品？一是为了体会进而掌握传统的线描程式美；二是学习古人高度概括的艺术手法，借以启发指导自己的艺术实践；三是为了培养热爱祖国丰富、优秀艺术遗产的思想感情。

面对一件临摹范本，首先进行读画。分析一下范本的技法特点，是属于苍劲刚健一路还是圆润浑厚一路，找出其笔墨有哪些规律，进而研究临本的布局以及程式因素，做到心中有数，闭目如在眼前。

临画时，不可看一眼画一笔，因水墨写意画笔势连贯，虽笔断而气连，拘泥每笔皆与临本吻合，必定斤斤以形似，而忽视领略临本作者如何冶心情流动与笔墨生发寄兴对象于一炉的精神所在。我们可以照临不误以至达到乱真的地步，但这不是我们临摹学习的目的，通过临摹掌握一定的笔墨技法，仅仅依靠临得象是解决不了的。

关键在于入我化境，变成自己的东西。古人的治学精神是值得今人学习的，每见一佳作，若不能面临就靠默记，并一一加以追摹，直至感到有所得而方休。

只有反复细心琢磨，不如我自为我，才能从临摹中收到应有的效果。 由于中国古代人物画自元代已趋向衰落，所存画迹能供我们现时临摹学习的实在太少，现代的水墨人物画技法，需要从山水、花鸟画技法中借鉴。

业余学画者，选择临本的画，不妨宽点为好，临摹基础打得越坚实越好，便于把握笔墨这一关。白描人物与工笔设色人物，素来为写意人物入门必修基础课，不容忽视，必须安排一定数量的临摹作业。

只要有可能，多涉足博物馆、各类展览会，通过反复的分析比较，把自己摆进去，从中悟出学画道理来，明白自己应该学和不应该学的东西。在学习吸收期间，不可以个人的好恶来看待一切艺术品，力求从每件艺术品里得到启发，学到点东西。

认真解决造型关 要学好人物画，临摹只是学习过程中一个重要，如何解决人物造型问题才是学习道路上最难攻取的一关。我们主张现实主义艺术创作方法，就需要有坚实的造型基础，奠定一定的写实基础是必要的。

讲写实，决不能曲解为见白画白，见黑画黑，不要任何艺术处理的自然主义。中国绘画是始终沿着现实主义道路发展的，文人画兴起，增加了表现主义万分，但仍不失为现实主义作为发展的基础。

传统绘画主张用夸张变形的手法来加强艺术的感染力，而非不着边际以变形夸张为目的，因而能为中国人民所乐意接受。不过，在造型上过早追求夸张变形，因学养不深而带在片面性，欲攀艺术高峰恐有内功不足之虞！为此，在毕生的艺术生涯中，最初用上短暂的数年时间，屏弃好高骛远，急功求利杂念，而扎扎实实打好厚实基础，以便建起自己艺术的金字塔。

怎样提高人物造型能力？笔者的体会是，需要有个严格造型基础训练过程。就是通常所讲的要学点素描。

对于学习中国画人物画要不要学素描，数年前在美术教育界曾有过争论。但莫衷一是。

不主张学者认为“先入为主”不利于掌握民族传统；主张学者认为西洋素描训练方法系统科学，便于较。

5.国画山水作品欣赏怎么写

《浅论山水画法式的继承与创新》当一种艺术样式确立，有了明确的形式特征，也就是逐渐形成某种艺术传统时，艺术中技艺、知识的成分就变得越来越重要，一门艺术总要通过各种文化手段形成统一化、完整化的法式系统。

法式、即“每一门类系统为了使该所属的艺术品能够作为艺术品来呈现的一种框架结构。”在中国，所有的文化都是被法式重新铸造过的东西，如棋有棋谱、食有食谱、拳有拳谱、画有画谱……每一种文化的法式都是一些要素组成的，即客体、技巧、融合和传统，以及情境的上下文关系。

所以法式对解释任何一种文化现象或艺术现象，都是一种不可缺少的背景性概念。一、山水画法式的界定 山水画在中国绘画史上占有极其重要的地位。

中国山水画在发展过程中总结出了丰富的画学理论和各种法式，反映出历代山水画家对于“造化”敏锐的观察、理解和创造，许多画理、画论和法式都是被历史检验了的正确的方法和成果，至今仍是山水画初学者的必修之路。正因有成熟的法式，使中国山水画成为世界上最容易入门的画种之一。

在纷繁万象中筛选物象，并为每一物象在无限多样的表现中提炼、概括出具有典型意义的形、色、相。如：山有山法、石有石法、树有树法、屋宇舟船、景点人物亦各有法。

各种法式源于对象又不尽似于对象，是遵从中国画笔墨特性而抽象、概括出来的最精炼的表现程式，这是绘画艺术作为一种技艺的必经之路和必然结果。历代画家把自己的实践经验去粗取精、去伪存真，去随意、偶然，取恒常、稳定，把复杂的笔墨效果、形式、因素提炼为最基本的法式。

比如画树，先要学各种出枝法，树有干，干上出枝，枝有大枝、中枝、小枝、粗枝、细枝、枯枝、叶枝。“枝有四法''是树法的规律，学画树通常先学枯枝。

“繁枝削尽留清瘦”是画枯树的法式。至于画树的用笔，又要符合山水画的基本语汇——勾、勒、点、染。

中国山水画法式，从“无法”到“立法”，从“知法”到“用法”再到“无法”，是先贤们对自然事物从认识到表现，从视觉经验到创作惯例的实践过程，历尽千年从山水画的“范本”上升为山水图式，并逐步被确认为法式。然而，他不是被固定的，而是流动的。

这也是在历史长河中，每个朝代都有大家出现的原因。 （大家的出现，多因其创立了独特的法式而流传）。

二、法式之内 山水画法式是建立在长期的、大量的实践基础之上的，传为唐代王维的《山水论》总结了凡画山水的各种法式，这是山水画程式确立的开端。“凡画山水，意在笔先。

丈崇山峻岭尺树，寸马豆人，远树无枝，远山无皴，高与云齐；远水无波，隐隐似眉，此其式也。山腰云塞，石壁泉塞，楼台树塞，道路人塞。

是看三面，路看一蹼，树看顶宁，水看岸基，此其法也。”山水画的法式实质上是一套山水符号的组织方式，是对山水元素的抽象与定型，对山水技法的提炼与概括。

事实上王维生活的盛唐时期，山水画还不具备确立法式的条件，不管是“青绿”、“水墨”、“白描”山水，均繁于画树，简于作山，就是这一时期山水画的基本特点。当时，画家众多、但法式未算完备，因此各启变端，力求蹊径，便出现了一片高歌创新的大好局面。

但那时的创新，仅为无法求法的探索，各有所图，未必各有所成。事实上，到五代时，山水画家已拥有晋宋隋唐以来的山水图像，但是，真正堪称“范本”的图式则是由像荆浩、关仝、李成、范宽、董源、巨然、郭熙这些山水大师提供的。

法式的确立使后学者不必再去思考“吾与其师与人者，未若师诸物也；吾与其师诸物者，未若师诸心”，诸如此类对山水画原始意义的追问。法式已经将“师法自然”中的“自然”图解为“范本”，越来越具体、详尽、有规则的笔法程式的界定使山水图式日趋成熟。

到南宋时，山水大家最大的贡献就是归纳程式法则，如李唐、马远、夏圭等为山水画提供了清晰、明确的范本。元代山水画法式是对董源、巨然的完善与提高，是山水画从写实走向写意的过渡阶段。

“元四家”学董巨，于用笔、皴法提款上更立新法，对明清两代山水画影响巨大。黄公望的《写山水诀》被评为“而山水画法之秘要，殆尽于是”，自黄以后，山水画法皆依此文体例。

明清山水，南宗山水占据主流，文人善于著述，论画风气日盛，从此山水画论充斥正传、宗派、师承、门户、复古论调。从明代董其昌到清初“四王”，都是“仿制、因裘，画不自作，惟古为变，以致嗜古成癖，泥古不化，把山水程式推向极端。”

其时的“南北宗”之争，文人画与院画之争，不仅是南北方地域文化之争，其实更是山水画法式的宗派之争。清代是一个文化大总结的时代，他所面临的是丰厚的传统积淀和丰富的法式资源。

不论是统治者的政治意识，还是民间文化人的自觉意识，清代在许多文化方面都做了大量的集成工程。《芥子园画传》初集便是历代山水画法式之大集成之一。

至今还影响着山水画的继承与传播。当然一切都是在艺术规律中的传承，法式之内承与启的关系，其实就是山水画推演发展的过程。

三、法式之外 中国山水画论在维护法式的同时，对能够使“山水为之一变”的山水大家给予极大的肯定，法式内。