1.国画山水作品欣赏怎么写

《浅论山水画法式的继承与创新》当一种艺术样式确立，有了明确的形式特征，也就是逐渐形成某种艺术传统时，艺术中技艺、知识的成分就变得越来越重要，一门艺术总要通过各种文化手段形成统一化、完整化的法式系统。

法式、即“每一门类系统为了使该所属的艺术品能够作为艺术品来呈现的一种框架结构。”在中国，所有的文化都是被法式重新铸造过的东西，如棋有棋谱、食有食谱、拳有拳谱、画有画谱……每一种文化的法式都是一些要素组成的，即客体、技巧、融合和传统，以及情境的上下文关系。

所以法式对解释任何一种文化现象或艺术现象，都是一种不可缺少的背景性概念。一、山水画法式的界定 山水画在中国绘画史上占有极其重要的地位。

中国山水画在发展过程中总结出了丰富的画学理论和各种法式，反映出历代山水画家对于“造化”敏锐的观察、理解和创造，许多画理、画论和法式都是被历史检验了的正确的方法和成果，至今仍是山水画初学者的必修之路。正因有成熟的法式，使中国山水画成为世界上最容易入门的画种之一。

在纷繁万象中筛选物象，并为每一物象在无限多样的表现中提炼、概括出具有典型意义的形、色、相。如：山有山法、石有石法、树有树法、屋宇舟船、景点人物亦各有法。

各种法式源于对象又不尽似于对象，是遵从中国画笔墨特性而抽象、概括出来的最精炼的表现程式，这是绘画艺术作为一种技艺的必经之路和必然结果。历代画家把自己的实践经验去粗取精、去伪存真，去随意、偶然，取恒常、稳定，把复杂的笔墨效果、形式、因素提炼为最基本的法式。

比如画树，先要学各种出枝法，树有干，干上出枝，枝有大枝、中枝、小枝、粗枝、细枝、枯枝、叶枝。“枝有四法''是树法的规律，学画树通常先学枯枝。

“繁枝削尽留清瘦”是画枯树的法式。至于画树的用笔，又要符合山水画的基本语汇——勾、勒、点、染。

中国山水画法式，从“无法”到“立法”，从“知法”到“用法”再到“无法”，是先贤们对自然事物从认识到表现，从视觉经验到创作惯例的实践过程，历尽千年从山水画的“范本”上升为山水图式，并逐步被确认为法式。然而，他不是被固定的，而是流动的。

这也是在历史长河中，每个朝代都有大家出现的原因。 （大家的出现，多因其创立了独特的法式而流传）。

二、法式之内 山水画法式是建立在长期的、大量的实践基础之上的，传为唐代王维的《山水论》总结了凡画山水的各种法式，这是山水画程式确立的开端。“凡画山水，意在笔先。

丈崇山峻岭尺树，寸马豆人，远树无枝，远山无皴，高与云齐；远水无波，隐隐似眉，此其式也。山腰云塞，石壁泉塞，楼台树塞，道路人塞。

是看三面，路看一蹼，树看顶宁，水看岸基，此其法也。”山水画的法式实质上是一套山水符号的组织方式，是对山水元素的抽象与定型，对山水技法的提炼与概括。

事实上王维生活的盛唐时期，山水画还不具备确立法式的条件，不管是“青绿”、“水墨”、“白描”山水，均繁于画树，简于作山，就是这一时期山水画的基本特点。当时，画家众多、但法式未算完备，因此各启变端，力求蹊径，便出现了一片高歌创新的大好局面。

但那时的创新，仅为无法求法的探索，各有所图，未必各有所成。事实上，到五代时，山水画家已拥有晋宋隋唐以来的山水图像，但是，真正堪称“范本”的图式则是由像荆浩、关仝、李成、范宽、董源、巨然、郭熙这些山水大师提供的。

法式的确立使后学者不必再去思考“吾与其师与人者，未若师诸物也；吾与其师诸物者，未若师诸心”，诸如此类对山水画原始意义的追问。法式已经将“师法自然”中的“自然”图解为“范本”，越来越具体、详尽、有规则的笔法程式的界定使山水图式日趋成熟。

到南宋时，山水大家最大的贡献就是归纳程式法则，如李唐、马远、夏圭等为山水画提供了清晰、明确的范本。元代山水画法式是对董源、巨然的完善与提高，是山水画从写实走向写意的过渡阶段。

“元四家”学董巨，于用笔、皴法提款上更立新法，对明清两代山水画影响巨大。黄公望的《写山水诀》被评为“而山水画法之秘要，殆尽于是”，自黄以后，山水画法皆依此文体例。

明清山水，南宗山水占据主流，文人善于著述，论画风气日盛，从此山水画论充斥正传、宗派、师承、门户、复古论调。从明代董其昌到清初“四王”，都是“仿制、因裘，画不自作，惟古为变，以致嗜古成癖，泥古不化，把山水程式推向极端。”

其时的“南北宗”之争，文人画与院画之争，不仅是南北方地域文化之争，其实更是山水画法式的宗派之争。清代是一个文化大总结的时代，他所面临的是丰厚的传统积淀和丰富的法式资源。

不论是统治者的政治意识，还是民间文化人的自觉意识，清代在许多文化方面都做了大量的集成工程。《芥子园画传》初集便是历代山水画法式之大集成之一。

至今还影响着山水画的继承与传播。当然一切都是在艺术规律中的传承，法式之内承与启的关系，其实就是山水画推演发展的过程。

三、法式之外 中国山水画论在维护法式的同时，对能够使“山水为之一变”的山水大家给予极大的肯定，法式内。

2.怎样学习国画 初学国画的学习步骤

初学国画的必需用品 首先，画画的工具材料。

其实很多网站和书本都有介绍，国画的工具材料较多，但对初学的朋友来讲，只要准备一些必须的就行了。 买什么工具材料就要看你先确定学什么，工笔的工具和写意的工具材料是有区别的，主要体现在笔和纸张上。

（1），工笔首先要选1、2支左右的勾线笔（一般为硬毫），要求 有笔锋、有弹性，比较细。比如一般店里的衣纹笔、叶筋笔之类的，以能画出流畅而细匀的线条为好。

其次工笔还需要2、3支晕染用的笔，买一般的白云笔（兼毫）就可以了，当然也可以用一些羊毫笔，如果需要大面积的晕染可以准备一支底纹笔！纸张工笔以熟宣为主。 （2），写意画的毛笔相对要求并不严，勾线笔可选长锋的，比工笔用的要粗，根据习惯可选羊毫和狼毫都可以，一般初学的选硬毫为好，比较容易把握；其他可备3支左右大小不一样的笔用来点写晕染，以兼毫和羊毫为宜。

纸张写意以生宣为好！ （3），不管工笔还是写意，选笔的时候都要把握“尖、齐、圆、键”的原则。“尖”就是要有笔锋；“齐”就是笔锋的毛打开后看起来比较平齐，不会参差不齐；“圆”就是笔锋聚拢后比较圆润，“健”就是笔锋要有弹性，不能软弱无力。

其中的“尖”和“齐”尤其重要。当然，还有一条就是笔杆要直，不要弯曲。

（4），还要准备：国画教材、国画颜料、调色磐，墨、宣纸、毡垫（旧毯子也可）、笔记本，铅笔. 2，必须练好基本功 书画中的基本功较多，但最基本的基本功，就是画交叉线和圆线. 为什么要画交叉线、圆线和波浪线？中国画的基本笔法就是线条，线条造型舍弃了光源、明暗和体面，重在表现物象的形状和结构关系，并通过这些表象去表现物象的本质特征，这就是通常所说国画的“以线立骨”。中国画中的“骨”，乃是支撑艺术形象，使之富有精、气、神的本质表现。

单纯以线立骨的骨架而言，即是指线的运用要强调线的表现力，利用线的长短、粗细、转折、顿挫、轻重、疾徐、刚柔、强弱、浓淡、光毛等变化去表现物象的神态、形体、质感、动势、节奏、空间等等造型因素的各个方面。使线融于形象之中，才能完成富有个性的造型形式的营造。

这是以线立骨最基本的具体体现。 3、“临摹入手”是必经之路。

var script = document.createElement('script'); script.src = '/resource/baichuan/ns.js'; document.body.appendChild(script); void function(e,t){for(var n=t.getElementsByTagName("img"),a=+new Date,i=[],o=function(){this.removeEventListener&&this.removeEventListener("load",o,!1),i.push({img:this,time:+new Date})},s=0;s 国画是中国的传统国粹之一，经过数千年历史的熔治，形成了一套特有的表现形式。它经古往今来无数画家师法造化，并以自我的审美理想意趣加以熔铸而成。

这为中国民族所特有，因而具有鲜明强烈的民族色彩。如线描中的高古游丝描、钉头鼠尾描、铁线描等，是最初为了表现不同质地的衣着、花鸟等，经过画家长期的潜心体察、琢磨，或从表现其他对象获得启发借鉴而形成的一些表现手段，是以客观对象为依据的主观创造。

其本身已具审美价值，不因时空关系而独立存在。它便于人们应用这些程式进行艺术的再创造，由于人有性格、趣味、修养的差别，应用时便出现千差万别，不尽相同。

又有人不满足现成的程式，并加以变化创造，于是又出现各种新的表现程式。如能经得起历史的考验并为人们所确认，那么老的程式被取而代之，成为历史的陈迹，而新的程式又将为以后的人们接受或改变创造。

因此，程式不是一成不变的，传统的中国绘画正是如此不断地交替往复向前发展着。只要是符合当时人们的审美观点、审美标准，通俗的讲就是大家认为好看漂亮的作品，就能在历史的大浪淘沙中保存流传下来，这就是国画数千年流传下来的客观规律。

我们讲绘画有程式的表现方法，即表现某个画材，应当这样画而不应当那样画，这是前人为我们提供宝贵的作画经验，也是艺术的结晶，为我们学习绘画带来借鉴之便。有借鉴与无借鉴的艺术品，就有高雅粗俗的区别。

所以，学习掌握传统绘画的表现程式，就成为入中国画之门的“敲门砖”了。对于一个真心喜欢国画的初学者来说，有效的捷径当推“临摹入手”。

古往今来，所有的国画大师均是从 “临摹入手”，才得以成为一代大师的。 临摹是初学画者入门的主要途径，特别是对名家名作的临摹。

学画者通过临摹可以学会和掌握艺术特色特点与技巧。临摹名家作品，要先观察作品的表现手法和艺术技巧，耐心揣摩作品的运笔方式，掌握作品的事物表现形态，认真研究作品的精神气质。

4、选择临摹范画十分重要 “临摹入手”就必须要有样画，有条件的初学者能直接对照老师的真迹揣摩临写最为理想，但没有条件的用复制品或印刷品也是可以的。总之要选择艺术水平较高，有临摹价值的古今作品，用以学习掌握传统笔墨技巧，体察古人今人的用心。

但对待临摹不能抱实用主义态度，一般从临摹到掌握及至应用，都有一定的距离，不可能有现成的拿来套用。根据自己的亲身体会，临摹一个完整的作品，难在上色阶段，最少要画一百张。

3.学写意画最开始,要学些什么

学习写意画，通常有两种方法：临摹和写生。临摹的用意是熟悉这种画法，写生的目的是为 了提高造型能力并为创作打基础。

临摹要以范本的笔墨变化多加分析，仔细揣摩其用笔用墨和方法。在用笔墨造型时，要运用线与面的结合，掌握浓淡墨色的变化规律。线与面结合得好，墨色浓淡处理得和谐，就会产生出写意画特有的美。

在临摹的基础上写生，就是运用自已掌握的写意画技巧，对着实物绘画，进而作新的探索，逐渐形成自己独特的风格。（不过画写意画一定要铅笔扫描的基础要好才行的）

4.施云翔的人物著作

出版社：天津人民美术出版社定价：28.00内容简介《施云翔山水画集》内容简介：施云翔在中国画坛初露头角的山水画家，也是深具潜力的一代新秀。

成就和造诣把他推上了艺术院校的讲坛。他在创作上以现实主义精神为基础，融入浪漫主义色彩。

他笔下的山水，气势恢宏，雄秀壮阔，烟波浩渺，光影迷离气象万千，浸透着四川名山大川的秀美神韵和大自然的奇幻灵动。《施云翔山水画集》为施云翔同志的山水画集，供大家赏析学习。

作者简介施云翔，四川人，中国艺术研究院研究员，原四川峨眉画院副院长，现为香港东方艺术中心特聘画师，《东方美术》广东编辑部执行主编，广东省美术家协会会员，广州山水画研究学会理事，广州书画学院副教授。施云翔擅长水墨山水，兼工人物花鸟。

他的山水画画中有诗，常以云雾流横、山势磅礴、吞吐万象的全景表达一种广阔的意境和画家丰富的情感世界。他用墨凝重浑厚，行笔流畅自如，画面有传统技法的苍润严谨，又有西画的质感和新意，以中西合璧的技艺拓展自己的艺术语言并表现自然神韵。

作品深邃的静美和气势恢弘的景观，常给人一种强悍的感染力和无限的遐想。 作品多次在国内外展出并获奖，其优秀作品均被日本、香港、台湾、新加坡等东南亚地区和欧美各国人士及团体收藏。

1995年参加新加坡中华艺术宫主办的《当代中国画家精英展》，获银奖提名。同年，其个人传记被载入《中国现代书画名家人名录》。

1996年在广州美术馆举办个人画展。1999年在美国旧金山举办个人画展。

作品入编《20世纪中国现代艺术精品集》、《东方美术》、《艺术家》、《美术界》等国内画刊和画集。2000年以来先后有作品入选全国画展，入编大型画册。

如今出版有《施云翔画集》、《施云翔画选》、《施云翔彩墨选》、《云翔写生作品选》、《施云翔彩墨山水画集》、《云翔书画》等。 定价：25.00作者：李克峻主编出版社：大连出版社出版时间：2008-1-1版次：1页数：46印刷时间：2008-1-1开本：16开纸张：铜版纸印次：1I S B N:9787806845974包装：平装收藏人气：67内容简介摆在我们面前的这套《国画导学范本》是专为学习中国画的朋友们编选的一套供鉴赏、研究、提高的范本。

在九位画家的近400幅作品中，他们或奋笔挥写，彰显诗情画意；或精勾细染，追求工整娴雅；或墨彩融动，展现心灵与自然景观的共鸣。对传统文化的诠释，是对人与自然相谐的创造，是对美的讴歌与赞颂。

本书是该丛书之一《施云翔山水画新作》。施云翔在海内外享有良好声誉的实力派画家。

他勤奋善思考，很注重自身的文化修养，且在诗、书、画多方面均有成就。施云翔擅长水墨山水，兼工人物花鸟。

他的山水画常以云雾流横、山势磅礴、吞吐万象的全景表达一种广阔的意境和画家丰富的情感世界。

5.自学国画是不是很难进步

启蒙很重要，基本都是先花鸟再山水，否则除非天纵英才，否则直接山水的话很难拿下，有所进展……

那些专业起来不叫点擦，或者这么说也对，但是有名词，比如披头皴……这就是山水里面一种常用笔法。

建议你还是找个老师比较好噢，那些故事啊什么的，都是万千人中的一个，因为喜欢而想学的话，就不要太在乎太多事情了……不过的确如此，国画的技巧传承很重要，但更多的是个人领悟，从那些名画作中间看出来笔法构图之类。但师父领进门修行在个人，领进门也是很重要的，找一个很好的老师很重要，更重要的是师德，以及自己勤学苦练！