美术写生感想 写生教学的基本要求,就是既要培养学生正确的观察方法,又要掌握相关的素描和色彩理论知 识,并将这些规律加以熟练运用。
只有这样,才能更好地把握画面,使画面既丰富又整体,进而 不断提高学生的绘画能力。 写生是我对这门课有了进一步的了解,不再单纯地认为只是学校开设的一门填充学时的无关 紧要的课程了,提高艺术修养和审美能力,有些平凡的事物尽管平凡,但它的美要用我们的 眼睛去发现,用我们的观察能力去研究美,用我们的表现力去表现美,去对自然风景和环境 进行美的提炼,不再漫无目的的去做一件事,就像老师说的那样,即使是不画也不能为了完 成任务而匆忙的乱画,因为那根本就不能算是作品,只是为了作业而做的。
学画画已经很久,在这其中真的学到不少东西,虽然画技一般,我想说的是,很多东西都是相通的,学美术,就比如说素描吧,记得那时候教我们的老师一直和我们说画画就像管理一个国家,任何一个小地方,就好比一个地区,就算做的再怎么精彩,大局不好仍然不好,对,有时候我们太拘泥于小细节,而忘记了旁观的去观察一个事物,我们需要拓宽眼见,就好比画完整幅画后需要远观,退远一步,才能真正了解它所存在的缺陷.画画亦如人生,所有繁杂的物体,骨子里不过只是些简单的集合体的变相,想问题,做事情要抛开层层,抓住重点,恩,无论如何,我不曾后悔过学画画,我真的从中领悟到不少,希望楼主能在这个领域获得一些东西,并享受其中的乐趣.。
最低0.27元/天开通百度文库会员,可在文库查看完整内容> 原发布者:xlxjy3 从开始学画画的我们知道,素描水粉等是先从素描学起的,最先画简单的几何物体,逐渐画的复杂,那时不论多么简单的几何体,我们都要抓住或找准物体的透视,老师强调的也是透视的变化与准度,那时的我并不是很喜欢在几根线上不停改改擦擦,无聊不解甚至不耐烦,那时的我喜欢画室和书上那些画的很逼真的素描,迫切希望能早一天画到那样的画,但一步登天是不可能的,就像工程师渴望自己设计的大厦矗立,但要打造牢固的地基,这样大厦华丽与地基的朴实才能相得益彰。
结构,透视,三大面,五大调,基础的知识让我们低下梦想的头,暗暗努力练习着,不记得自己从小到现在糟蹋多少张白纸了,也忘记了自己那些数不清的铅笔,现在只依稀记得那句爸爸的玩笑话,一张纸五毛钱,但你画上画了就不值钱了,当时自己也愤愤的乐着,虽然心里不爽,但也无可奈何,因为知道基础的练习不是一朝一夕就能改变的,也相信基础对我们的重要性与它的平凡可贵。
1是中国的美术教育还处于上世纪60年代的水准;2是想靠美术吃饭根本不可能;3是40岁以前的人都不可能成为画家4是出美术书的混水摸鱼的太多了。
行内有责任心的都老了,中年的不是自满过度就走穴去了,年轻的没几个认真学净是普通学校不收的渣子混文凭来的,乌烟瘴气毫无希望可言。
我就奇怪了,中国人不会画中国画,跟着人西方后头跑学来学去又不像,美院毕业连个毛笔也不会拿敢说自己会画画。出书的画不好中国人,说什么亚洲人种五官扁平,没特征不好画,我靠!光会临摹希腊人你还有理了,就这还敢出书呢。现在的美术教的就是俄罗斯的石头人画法+唯美派的混合体,一点空间都没有,你说点之外的老师叫你想都不要想,想进美院不用考拉一车钞票进去是头猪也给文凭。我是彻底绝望了,谁要学与其上课不如挣点钱去跟着走后门吧!
简短的观后感——《秒速五厘米》尽管作者想要表达的主题是如此的积极,但结局给人的感受却是如此的凄美。
多年的等待,却终究错过,年少时纯真的感情,到最后却也只剩回忆,又要让人忍不住叹一句,奈何情深,奈何缘浅。 我常常在想原野的等待是否值得?十三年的孤寂,得到的却是火车开过后彼此相视而笑背离的瞬间,曾经天长地久的约定,却原来只是男主角的一厢情愿,两颗心的守望却也只是一个人的等待,他把那份不肯舍弃的情感藏于心中,打造成一座神秘的城堡——爱上一个人成了一个不能说的秘密,爱一个人成了一个人的事情,爱一个人成了如此寂寞孤独的等待,即使身边的人不断的变换,但那颗跳动的心依然炽热——爱你在心口难开!有多少人能够忘记过去,重新开始?那种释怀,随着那首《one more time one more chance》让悲伤彻底逆流成河。
该要花尽多少时间,颓靡多少年华,鼓起多大的勇气才能接受新的幸福?爱一个人有时就是那样的卑微,卑微到了尘埃里,当原野看到明理手上的订婚戒时,他并没有上前,只默默的希望她过的好,默默站在远处的祝福着,长长的回忆随着身旁的樱花在短短几分钟便随风而落,就像日本法师吉田兼好说的:“人心是不待风吹而自落的花。”十三年来不待别人的开释,只是那一眼便释怀,只需一眼就够了。
又或许少年的情感在那十三年的漫长岁月里只是一种责任?原野害怕辜负明理的情感,所以一直才没有接受新的情感,“得不到的永远在骚动,被偏爱的都有恃无恐”,世上痴情的人又有多少?就像张爱玲所说的:“可惜世间懂得爱情的男子实在太少!在男人心里真正完美的女人,总是随着时间、阅历的变化不断变化着!你永远达不到的。”像原野这种等待十三年的人能有多少?这才是令我最心伤的,爱情有时候不仅带走一个人的全部的情感,而是还有那永远无法重来一次的青春。
最后再看你一眼,只是,我不爱你了,因为“你若安好便是晴天”。也许这样的事还在不断上演,那些为爱而痴的人儿啊,请不要忘了,也许有人一直在等待着你,不管过了多少年,那个人一直在等待着你,哪怕生生世世不想见,但求你岁岁平安。
今天下午,我兴高采烈地去上素描课。
来到苏州美术馆,我便急忙看了一下钟,啊!已经2点多了!看来,我已经迟到了。我马上拿了一张纸夹在板上画了起来。我要定位的时候,我突然想起翁老师对我说过,定位的时候要先画中间的。我就按翁老师说的话去做,果然,这样定位的时候就定得好了。接下来,我要开始打形了,我突然看见今天画的是我平时最画不好的一样东西,不画又不行,我只好皱着眉头画了起来。可是,孔老师却鼓励我说:画得很好,但中间的瓶子应该再胖一点才好看,我马上把瓶子改胖了一点。我终于要涂明暗啦!我先在上面上一层淡淡的颜色,再慢慢地加深,涂上投影,孔老师帮我改了一些地方,再加上了我的修改,这样,一张素描画就完成了。
我觉得今天我画得不好,但是,我相信我一定会画好的,因为,失败为成功之母吗!
素描头像的训练,除了要有目的性以外,还必须具有正确的观察方法和表现方法,只有在学习中自觉地按照这些 原理去做,抓住基本法则,才能较快地掌握造型的规律和方法。
1.观察方法: 当我们开始写生时,面对着模特还只是一个初步的感觉,尽管这种感受 比较深刻,但如果只停留在初步的 印象上来作画,就会被模特表面的细节所迷惑,促使你无法深入下去,有时甚至会产生一些视觉中的错觉而导致 画面的种种错误,因此这种初步的视觉感受必须深化,即从感性的初级阶段上升到理性分析的阶段,树立正确的 观察方法,其原因就是“感觉到了的东西,我们不能立刻理解它,只有理解了的东西才能更深刻地感觉它”。在 头像写生时,始终把新鲜的视觉感受与分析研究对象结合起来,通过这样长期反复的实践,端正观察方法,才能 不断提高观察能力。
2.整体观念: 在作画时始终坚持整体地观察对象,这是头像写生训练中一个十分突出的问题。因为在素描写生中没有任何 孤立的东西,它是秩序、综合关系所形成的和谐整体。
培养整体观察的能力,做到写生时纵观全局,这必须经过 长期严格的训练。在作画的时候,如果我们看到什么画什么,不仅会使画面失去绘画中所必须遵守的主次虚实关 系,而且会导致顾此失被,因小失大,造成形体比例上的错误。
有一句艺术格言“画鼻子时看耳朵”,因此实际 写生时当然不可能各局部同时画,但看对象时应纵观全局,各个部分的关系以一次观察所见为标准,不能以数次 观察、不同时间所见为标准。如画头的基本形时,就必须同时注意它与颈部和肩部的关系。
在处理明暗调子时也 是如此,有时把这分画得暗一点,目的足为了使另一部分提壳;减弱这一部分是为了突出那一部分,这些都足以 整体关系为着眼点。总而言之,由于我们描绘的对象是一个具有内在相互联系的不可分割的整体,不论是结构关 系、比例关系、黑白关系、体面关系、面和线关系,都是相对存在,互相制约的,如果画时孤立片面地去对待, 最终必定会失去画面的整体统一。
由此可见,整体观察,它不仅是一个观察和表现的方法问题,也是一个思维方 式方法问题。 自古以来,有成就的画家,始终把整体关系放在首位,在整体关系基本正确的前提下,再求局部的精致变化 。
画局部,看整体,反复交替,互相促进。如果局部破坏了整体,画面就会出现混乱,然而仅有大关系,没有局 部的深入刻画,整体便是空洞的。
整体的充实,足由局部精致表现来反映的,是互为因果,相辅相成的。 为了达到局—部与局部之间,以及局部与整体之间“比例关系”的准备,首先要从确定大关系人手,遵循整体— 局部--整体的作画步骤, 从大至小,由简人繁地逐步深入,同时要注意画面各局部之间的进展,始终保持相应 的关系,才能进行有效的比较检验和调整。
柯罗曾经说“我从来不急于画细节,我首先注意一幅画的大体和特征。..” 3.立体观念: 宇宙间的一切物体都是由它的高度、宽度和深度组合而成的,即三维空间。
许多考生由于缺乏关于物体的体 积是由面构成的原理,尽管他们有着正常的视觉,但只能画出宽度和高度的二维空间,却不能画出深度,把立体 感表现出来。值得明确的是,任何物体都要以三度空间来测量,缺一不可。
在学习素描的开始,就应培养学生用立体观念去对待客观世界所有物象,并通过多种手法,把它们表现出来 。通过反复的学习实践,使学生对这方面的要求更加明确。
因为,素描虽然也有表现对象质感、体感以及不同色 感的任务,比如画头像时,眼睛是透明的,头发蓬松而颜色较深;但它们首先都应具有立体感。学生在开始观察 时,总是看不到它的体积而仅看到对象的不同颜色。
所以他不能把深色的受光部画亮,也不能把浅色的背光部画 深。物体各种固有色的观念,影响他们去研究物体受光后的明暗变化。
为了便于学习,我们可以采取对石膏几何 体的写生来理解物体由面所构成的原理,这个原理对于表现其它复杂的形体具有普遍的意义。在此基础上,树立 起在空间深度上塑造形体而不是在平面上描绘这一概念,不是轻易能够做到的,需要掌握透视知识和注意培养这 种观察认识物象的习惯,才能正确把握物体在画面上的恰当位置,做到看得立体,画得立体。
4.艺术表现: 艺术表现最主要的还是取决于作者的感受和艺术素养,取决于作者的精神表现,即内心世界的表达。作者的 感受越深,在感情上越是能鲜明地感受到对象精神的美和形象的美,就越能进行有效的艺术概括。
如作画开始, 先观察研究,画面是强还是弱、色调是明快还是深沉等等,在感受对象的基础上,分析主次关系,前后虚实关系 ,这样由表象认识上升到理性的把握,画面上的形象就具有艺术的表现力和艺术感染力。绘画训练是技术训练, 同时也是艺术训练,二者是不可分割的整体。
在作画实践中,描绘活动同时也是表现活动,是作画人眼中、脑中 、手下的同一件事情。素描实践只讲技术不讲艺术,只能说是训练画匠。
造型艺术不讲艺术规律和艺术表现,就 无所谓艺术教育,更谈不上艺术创造了。 艺术表现要付诸于形式,成为。
文森特·梵高一生中共作了11幅《向日葵》,有10幅在他死后散落各地,只有一幅目前在梵高美术馆展出。
(这个数据还有待商榷,因为不断有真品问世,同时不乏赝品得到证明) 16朵形态各异的向日葵,或绚烂或枯委,或隐或现,以淡黄色为背景,以深黄色为向日葵的主色调,另有几朵含苞未放以淡黑色点缀花蕊,颜色上给人一种强烈的对比,画面总体上给人一种明亮而又强烈的生命力,让人感到生活充满希望,阳光是那样的明媚,天空是那样的广阔。 堪称梵高的化身的《向日葵》仅由绚丽的黄色色系组合。
梵高认为黄色代表太阳的颜色,阳光又象征爱情,因此具有特殊意义。他以《向日葵》中的各种花姿来表达自我,有时甚至将自己比拟为向日葵。
梵高写给弟弟西奥的信中多次谈到《向日葵》的系列作品,其中说明有十二株和十四株向日葵的两种构图。他以12来表示基督十二门徒,他还将南方画室(友人之家)的成员定为12人,加上本人和弟弟西奥两人,一共14人。
对于梵高而言,向日葵这种花是表现他思想的最佳题材。夏季短暂,向日葵的花期更是不长,梵高亦如向向日葵般结束自己短暂的一生,称他为向日葵画家,应该是恰如其分。
《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。画家像闪烁着熊熊的火焰,满怀炽热的激情令运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力,色彩的对比也是单纯强烈的。
然而,在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。观者在观看此画时,无不为那激动人心的画面效果而感应,心灵为之震颤,激情也喷薄而出,无不跃跃欲试,共同融入到凡高丰富的主观感情中去。
总之,凡高笔下的向日葵不仅仅是植物,而是带有原始冲动和热情的生命体。